El Nacimiento de Venus de Botticelli.

El Nacimiento de Venus es la obra clave de Sandro Botticelli. La obra fue terminada en 1484, del S.XV perteneciente al Quattrocento italiano. Actualmente se encuentra en la Galeria de los Uffizi, en Florencia ya que fueron los promotores de la obra . La técnica utilizada por Sandro es el temple sobre tabla, realizada en grandes dimensiones. El tema iconográfico de la obra es un tema mitológico, el Nacimiento de Venus. Venus, según la mitología romana nació de los testículos de Urano.

Venus, Diosa del Amor viene en una venera flotando por el agua hasta una isla traida por los soplos de Dioses alados como Eolo entre una lluvia de flores. Ya en la playa la Primavera espera a Venus con un manto de flores. Boticelli busca el espacio pictórico mediante la composición y la distribución de los personajes. Situa en el eje central a Venus, y a los laterales a los Dioses alados y la Primavera. El puento de vista es alto ya que así el espacio pictórico es superior. Venus tiene una anatomía suave y delicada, piel blanca y su cuerpo esta desplazado lateralmente con un ligero contraposto.

La Diosa es púdica puesto que tapa sus órganos sexuales con los brazos, ya que el desnudo especialmente el femenino en esta época estaba mal visto por la Iglesia. Los Dioses muestran una agitación en sus ropajes puesto que estan volando estan muy trabajados creando volúmenes. La Primavera espera la llegada de Venus con un movimiento en potencia extendiendo sus brazos para taparla. Los ropajes de la Primavera estan muy cuidados y tiene entre sus brazos el manto que tapará a Venus, manto lleno de flores que representa a la familia de mecenas Uffizi.

La luz utilizada por Botticelli esta proyectada desde un punto de vista exterior que la utiliza para quellas zonas en las que desea realizar sensacion de claroscuros para realizar profundidad con lo que crea espacio pictórico y las calidades de los ropajes. El Nacimiento de Venus es una obra trabajada mediante el dibujo ya que realiza minuciosos detalles como en los ropajes, las flores o la venera que porta a la Diosa Venus.

Sandro Botticelli también realiza otras obras como La Primavera, también en la Galería de los Uffizi y la Historia de Nostalglio degli Onesti, situado en el Museo del Prado de Madrid

Miguel Ángel, Moisés. Escultura del Cinquecento.

El Moisés de Miguel Ángel pertenece al año 1515, S.XVI perteneciente al Cinquecento italiano. El Moisés formaría parte de un complejo escultórico funerario mandado realidar por el Papa Julio II a Miguel Ángel para la parte central del crucero de San Pedro del Vaticano.

Tras la muerte del Papa, su familia decide que el complejo se redujera a menos de la mitad de las esculturas de las cuales nos quedan entre otras esta del Moisés y los Ladrones. Finalmente el altar funerario se realizó en la Iglesia menor de San Pietro in Vincoli siendo este complejo funerario muy diferente al ideado por Miguel Ángel. El Moisés es una escultura realizada en mármol de Carrara. La escultura representa al líder del pueblo hebreo, que tras bajar del monte Sinaí con las Tablas de la Ley entregadas por Dios, se encuentra a su pueblo adorando a ídolos de oro, de ahí el gesto de enfado que muestra la escultura con el ceño fruncido.

La escultura se representa sedente, con la cabeza girada hacia la izquierda, en ella pelo rizado trabajado por la técnica del trépano para dar contraste de luces y producir claroscuros que diesen volumen, en la cabeza hay dos cuernos que provienen de un error de traducción del Antiguo Testamento. Moisés tiene una gran barba polífida que se toca con la mano derecha, del brazo que sustenta entre el torso y estre las Tablas. El brazo izuierdo está reposado en la parte superior de sus piernas.

La pierna izquierda se muestra atrasada representando un movimiento en potencia puesto que muestra intenciones de levantarse bruscamente, la derecha muestra la anatomía ya conocida de Miguel Ángel, muy fuerte, bajo los pliegues de los ropajes tallados de manera que muestran voluminosidad y movimiento, los que recaen hasta el suelo.

En definitiva la escultura es una obra de máximo realismo algo característico de gran parte de las esculturas de Miguel Ángel como el David o la Piedad del Vaticano o los frecos de la Capilla Sixtina.

Donatello, David. Escultura del Quattrocento

El David de Donatello pertenece al año 1440, S.XV del Quatrocentto italiano. La escultura se encuentra en Museo Nacional de Barguello. Fue mandado realizar por los Medici a Donatello. Es una obra simbolica, puesto que el tema iconográfico es la victoria de David sobre Golitat, del Antiguo Testamento, este David esconde una historia.

Debido a la lucha entre Florencia y Milán, tras la guerra, los Medici encargaron la escultura, en la que David, victorioso luciría el sombrero típico de la toscana de Florencia, por parte de los Medici, mientras que en la cabeza de Goliat aparecería el yelmo de Milán, simbolizando así la victoria de Florencia sobre Milán. La escultura esta realizada en bronce por la técnica de la cera perdida, y sus dimensiones no son excesivas como en el David de Miguel Ángel Bounaroti.

La escultura presenta una curva paraxiteliana y un contraposto que rompe con la frontalidad, siendo esta escultura un desnudo intragral cuya musculatura esta poco definida cerca del feminismo, alejada de aquella musculatura fuerte de Miguel Ángel.

El brazo dercho empuña hacia el suelo una espada que recae en la cabeza de Goliat y el brazo izquierdo está recostado sobre su cadera encerrando en la mano aún la piedra con la que mató a Goliat. Finalmente las piernas ya inclinadas por el pronunciamiento del contraposto de la cadera y los hombros, estas estan levemente flexionadas, la pierna izquierda sobre la cabeza de Goliat y la derecha recoge el peso de la escultura.

Donatello también realizó otras esculturas como el San Jorge también en el Museo Nacional de Bragello en Florencia o el Condottiero Gattamelata de la plaza del Santo en Padua.

Giacomo della Porta, fachada de Il Gesú,Roma. Manierismo.

La Iglesia de Il Gesú esta situada en Roma, y pertenece al siglo XVI. En ella intervinieron los arquitectos Vignolas y Giacomo della Porta, siendo este al que se le atribuye principalmente la fachada, realizada con elementos pétreos. La fachada es de grandes dimensiones y mantiene elementos arquitectónicos que no se encuentran en su correcto uso como hornacinas o desproporcionados como las columas adosadas gigantes, siendo esto un rasgo de las características principales de la estética manierista, alejandose del renacimiendo para dar paso a la arquitectura propiamente barroca.

La fachada esta compuesta en dos pisos de altura y distribuida entre pilastrras adosadas de órden compuesto en el primer piso. Del primer piso sobresale una puerta adintelada situada en el centro de la fachada, sobre esta un frontón semicircular sustentado por escudos a modo de ménsulas, sobre el que recae otro escudo de grandes dimensiones, todo ello enmarcado entre grandes columnas gigantes compuestas sobre un podium que eleva su altura . A los laterales se encuentran sos puertas de menores dimensiones que la central, también adinteladas pero con frontones triangulares.Sobre estas hornacinas con esculturas bajo frontones semicirculares, todo ello entre pilastras sonre podium de órden compuesto y geminadas.

El primer piso se divide del segundo mediante un entablamento en el que hay un friso con una inscripción, sobre este una cornisa, y sobre la calle central un doble frontón, uno triangular dentro de un frontón semicircular de mayores dimensiones. El segundo piso comienza con un podium para todo el piso, que incrementa la altura. En el centro observamos un vano que sirve de ventana con un arco de medio punto enmarcado entre columnas corintias y sobre este un frontón triangular sustentado por ménsulas y otra central. A los laterales hay pares de pilastras adosadas compuestas que en su interior dejan ver hornacimas bajo frontones triangulares sin esculturas, sin uso.

El primer piso del segundo es armonizado por unos grandes aletones en los laterales proporcionando la fachada por el desnivel de altura entre las naves central y laterales como ya vimos que realizó Alberti en Santa María Novella en Florencia. Finalmente el edificio es rematado por el elemento clásico más utilizado en el edificio, el frontón, enmarcado por una cornisa situando en la parte superior un escudo y dobre este la cruz de Cristo.

Donato Bramante, San Pietro in Montorio.Cinquecento.

San Pietro in Montorio se encuentra en Roma. Su construcción fue iniciada en 1502, a cargo de Bramante. El templete fue mandado construir por los Reyes Católicos debido a la conquista del Reino de Granada y el nacimiento de su primogénito. Además la construcción se realizó sobre el hueco dejó la cruz donde crucificaron a San Pedro, Primer Papa de la Iglesia.

El templo según los planos debía de situarse en el centro de un patio circular similar al de Machuca, el Palacio de Carlos V, nieto de los Reyes Católicos. Debido a la escasez de presupuesto se redujo su construcción a el templete dentro del patio de un convento franciscano. El templete realizado en mármol y granito es de planta central.

Tiene un perístelo rodeado de columnas de órden toscano. Esta construcción esta realizada sobre una grada de tres escalones que representan las tres virtudes; la fe, la esperanza y la caridad. Sobre las columnas se sustenta una cornisa y sobre esta una metopa con decoración tallada en la piedra. Entre el perístelo y la puerta de acceso se recubre de una estructura adintelada con rosetones. En el muro se decora con hornacinas y veneras como ya vimos en el mirhab de la mezquita de Córdoba.

El piso está rematado por una balaustrada que cerca la segunda planta decorada también con elementos clásicos como las ménsulas que sustentan los dinteles. Rodeando esta estructura circular hay una guirnalda que recuerda a la decoración del altar de ofrendas de Pérgamo del Siglo II a.C. Finalmente la estructura de cubre con una cúpula sencilla nervada de tonos azules, que sirvirá de inspiración para la cúpula que Bramante proyectará en San Pedro del Vaticano.

Bramante fué el arquitecto favorito del Papa Julio II, colaboró con Piero della Francesca, fue discipulo de Mantegna y amigo de Leonardo Da Vinci. Entre sus proyectos destaca el de San Pedro del Vaticano, Santa María presso San Satiro y el patio del Belvedere del Vaticano.

Alberti, Fachada de Santa María Novella. Quattrocento

Santa María Novella es una iglesia situada en la ciudad de Florencia, ciudad del Renacimiento Italiano. La iglesia es de estilo gótico pero la fachada data del año 1480 y es de estilo Renacentista, diseñada por León Battista Alberti. Alberti enmascara los nuevos elementos del renacimiento con el orden gótico de la iglesia. Además recubre toda la fachada con mármol, símbolo por excelencia de la arquitectura romana.

El mármol utilizado es de color blanco y verde, situado en posición horizontal dando sensación de horizontalidad, característico de los edificios romanos, con la estructura ad cuadrangulum, que recuerda a la fachada por su utilización en el mármol de la Catedral de Siena. La fachada es simétrica, centra en la primera planta una puerta adintelada con tímpano enmarcada en un arco de medio punto entre columnas verdes compuestas adosadas a la fachada.

En las fachadas laterales se encuentra, en la parte más inferior una arquería con dovelas de marmol blanco y parece ser marmol rojo o ladrillo, puesto que pudiera ser que Alberti lo incluyera como reminiscencia del antiguo arte romano como ya vimos en el acueducto de los Milagros de Mérida realizado por los romanos. Estos arcos ciegos tienden a arcos apuntados siendo el segundo desde la puerta principal de mayor dimendiones y con función de acceso sustentando un dintel. Sobre este cuerpo de arcos otro cuerpo que completa el primer piso decorado en marmol blanco y verde . Diviendo este piso del segundo se encuentra una cornisa con decoración y sobre este un frontón corrido decorado con elementos cuadriculados en mármol.

Finalmente un gran óculo ya sin decoración vidriada de colores puesto que la luz interior del Renacimiento es blanca, queda inmerso en unas pilastras adosadas creando un cuerpo cuadriculado rematado por un gran frontón triangular rodeado de una cornisa centrado en un rosetón de mármol. Como elemento decorativo más relevante, el espacio que queda entre la nave central y las laterales debido a su altura se recubre con un aletón ideado por Alberti compuesto también por tracería de mármol blanco y verde.

Esta obra es armoniosa en su composición gracias a los arreglos como este del aletón que introdujo el arquitecto. Alberti también realida la Iglesia de San Andrés en Mantua(1470), y el Palacio Rucellai en Florencia(1453), familia que hizo posible la fachada de Santa María Novella gracias a su mecenazgo.

Fachada de la Catedral de Burgos

La fachada corresponde a la principal de la Catedral de Burgos, data del S.XIII, estilo Gótico contruida en piedra siendo mandada construir por el Obispo Mauricio. Esta compuesta por tres plantas divididas en 3 calles. La planta primera la forma una puerta central y dos laterales de menores dimensiones. Estas puertas son avocinadas y forman un arco ojival apuntado. La puerta central esta rematada por un fronton triangular neoclásico y decorado con tracería gótica. Las puertas laterales estan rematadas por tímpanos decorados mediante la talla en piedra.

El segundo piso tiene incrustado en él grandes vidrieras como el rosetón central y las dos ventanas avocinadas y de arco ojival de los laterales, diviendo estas calles mediante los sistema de contraresto de fuerzas, los contrafuertes. El tercer piso queda dividido del anterior mediante una cornisa. Esta formado por dor grades arcos ojivales geminados y avocinados decorados con traceróa gótica. En las calles laterales hay otro par de ventanas que sirven para el retumbe del cuerpo de campanas y no esta decorado de vidriera, todo ello enmarcado por grandes contrafuertes laterales de planta poligonal.

Finalmente el edificio queda inmerso en dos grandes torres campanarios integradas en la fachada siendo de planta guadrada hasta el tercer piso en ell que se vuelven de plata cuadrada estando decorados con motivos góticos siendo rematados con chapiteles calados propios del gótico flaígero todo esto rodeado por una balaustrada gótica que sustenta chapiteles.

Hermanos Van Eyck, predela del retablo de San Bavón de Gante.

El Políptico de Gante data del S. XV. Esta realizado en una conjunto de tablas a modo de retablo pintadas al óleo para el altar de la Catedral de Bavón, en Gante. En la tabla central situandose abierto el políptico se encuentra la predela de la Adoración del Cordero Místico.

En ella se representa el cordero en un altar de sacrificio, dicho esto San Juan dijo a Jesús "Tú eres el Cordero de Dios que quita el pecado del Mundo", así San Juan decía que Dios entregó a su Hijo por el pueblo, de ahi que se le llame Cordero de Dios, es la Adoración del Cordero Místico una alegoría de Jesucristo. El políptico fue realizado por los hermanos Van Eyck, Humbert y Jean, pertenecientes a la pintura de los primitivos flamencos.

En esta predela representan al Cordero en el centro sobre una mesa de sacrifios rodeada de ángeles ante el altar, situado en el eje central del cuadro una fuente, tal vez reprensente la Fuente de la Vida. En la parte inferior se encuentran dos grupos de personajes creando estos perspectiva por la cual los pintores buscan espacio pictórico que se refuerza con otro par de grupos de personas en la parte superior de la tabla, todo ello acentuado por un punto de vista alto del cuadro que da mayor espacio pictórico.

Los personajes de los grupos inferiores parecen ser presonajes de menor status social que los superiores que visten ropajes mucho mas elaborados y detallistas realizando asi un trabajo minucioso en el dibujo.En estos ropajes incide la luz, luz que se centra en las calidades de los ropajes alli donde los pintores la creen necesaria, creando calidades en estos.

Los colores utilizados son colores terrosos en los personajes inferiores, y azules y rojos en los superiores, además de unos verdes cubiertos de flores que recuerdan a los tapices flamencos elaborados por la técnica de las mil flores, acentuado esto por la brillantez que le da el óleo, ya que estos son precursores de su utilización dejando atrás el temple.Los hermanos Van Eyck realizan otros trabajos como Los Esposos Arnolfini, y óleos realizados para la Corte de Baviera.

Giotto, La Última Cena.

La Última Cena , de Giotto esta realizada mediante la técnica del freco en la Capilla Scrovengni, en el año 1302 perteneciente al S.XIV enmarcandose esta dentro de la pintura del Renacimiento italiano más concretamente de la escuela florentina. Giotto representa en el fresco el momento en que Jesucristo realiza la Última Cena siendo este el momento recordado en cada consagración de pan y vino en la Eucaristía recordadndo asi el momento de dicho fresco. En el cuadro aprarecen representados cada uno de los doce apóstoles y Jesucristo. El espacio pictórico se crea con la disposicion de estos personajes además aqui el Giotto pinta a cuatro apóstoles de espaldas al público creando sensación de profundidad. Jesucristo se representa a la izquierda, presidiendo la eucaristia, sedente al igual que el apostolado y es besado por San Juan. Los colores ultilizados son colores rojizos, azules y ocres que se reflejan en las caras individualizadas de ojos rasgados característicos del Giotto influenciado por el arte bizantino. También se trabaja la luz, que se dirigue hacia aquellos lugares que el pintor quiere resaltar.

Estos focos hacia los que Giotto proyecta la luz son los ropajes, que dan calidades voluminosas que entran en contraste con la aureola oscura que portan en la cabeza a distinción de Jesucristo.

El tratamiento del Giotto es el dibujo sobre el color ya que en el freco realiza dibujos minuciosos bien en los ropajes, rostros o el marco arquitectónio en el que se encuentra ubicada la cena.

El entorno arquitectónico deja ver pequeñas ventanas al fondo, al igual que los primitivos flamencos como Jean Van Eyck,en Los Esposos Arnolfini. El Giotto además realiza al freco parte de la Capilla Superior de San Francisco de Asís, en Asís, La deposición del Cuerpo de Cristo, también en la Capilla Scrovegni o El Prendimiento de Cristo entre otros.

Anunciación de Simone Martini

La Anunciación de Simone Martini pertenece a la pintura italiana.

La obra está realizada en el año 1333, S. XIV a modo de tríptico utilizando la técnica de temple sobre tabla. Esta obra fue mandada realizar por la familia de mecenas de los Uffizi de Florencia. La Anunciación, de la Escuela de Siena representa como tema iconofráfico el momento en que el arcangel San Gabriel anuncia a la Virgen sobre su Divina Gracia al estar embarazada siendo Inmaculada por obra del Espiritu Santo. Simone Martini realiza la tabla principal, mientras que su cuñado realiza las tablas laterales en las qe se representan los donantes de la obra.

El espacio pictórico se busca por medio de la perspectiva en la que el punto de vista esta alto para dejar mayor lugar de interpretacion, la disposicion de los personajes, en la que por primera vez aparace el angel arrodillado, la postura teatral en escorzo de la virgen asi como la situación de las tablas de madera que componen el suelo. La luz utilizada por Simone en la tabla es una luz que ilumina aquellas partes que él desea resaltar para conseguir con ella calidades en los ropajes y las alas del angel además de volúmenes. Los colores utilizados son dorados en el fondo por influencia bizantina al igual que los ojos rasgados, tonos azulados para los ropajes de la virgen y rojizos para los demás personajes.

El tratamiento realizado es el color sobre el dibujo puesto que es un dibujo minucioso. Simone Martini realiza también obras de importacia como San Luis de Francia y San Ludovico D´Angio para la Basílica de Sn Francisco de Asís, o La Majestad realizada para el Palacio Público de Siena.