San Carlo alle quattro fontane. Francesco Borromini

San Carlo es una iglesia italiana situada en Roma. Pertenece al S. XVII y fue mandada construir a Francesco Borromini por la Orden de los Trinitarios. Esta obra arquitectónica es de gran importacia dentro de la arquitectura barroca. San carlino está compuesto en dos plantas de altura divididas en tres calles. La primera planta está divivida en dos, por un entablamento partido. La calle central alberga la puerta principal de la fachada estando cobijada entre dos pares de columnas compuestas.

Sobre el dintel de la puerta la parte central del entablamento en el que se encuentra un escudo heráldico, sobre este una hornacina decorada por ángeles alados con una escultura en el centro del nicho. cerrando esta primera planta de la calle dos colúmnas compuestas gigantes que aarancan de un podium. A los laterales, simetricamente, un primer nivel decorado por columnas en las que se encierran vanos decorados con motivos vegetales. Sobre estos, el entablamento partido y sobre este hornacinas adinteladas con esculturas en su interior, todo ello enmarcado por las columnas compuestas gigantes.

Dividiendo el primer piso del segundo se encuentra un gran entablamento compuesto de friso con inscripción en latín y metopas, siendo este entablamento curvo, dando lugar al movimiento en la fachada creando claroscuros en ella que suguieran volúmen. El segundo piso está formado por un vano adintelado tras una pequeña balaustrada. Dicho vano está semicupulado siendo influido este por la construcción romana del templo de Petra.

En las calles laterales se encuentran pequeñas hornacinas entre columnas compuestas al igual que la hornacida central, estado estas exentas de esculturas. Sobre las hornacinas pequeños cuadrángulos decorados con motivos vegetales, estando estos espacios cerrados por columnas compuetas gigantes, columnas que tienen grados de inclinación de interior a esterior. En la calle central se situa sobre ángeles un tondo con forma de medallón que rompe el entablamento que cierra la composición.

Borromini está consagrado como uno de los mejores arquitectos del Barroco y entre sus composiciones se encuentran Sant´Agnese en Agone, Sant´Ivo alla Sapienza y el Oratorio de San Felipe Neri.

La Trinidad de Doménikos Theotokópulos, El Greco

La Trinidad es un óleo sobre lienzo realizado por el Greco, pintor de Creta pero que vivió en Toledo desde joven. La trinidad se encuentra en el Museo de el Prado aunque fue mandada realizar para el convento de Santo Domingo de Silos de Toledo en el año 1580, S. XVI perteneciende al Renacimiento español dentro de la etapa Manierista.

La obra representa el principal misterio de la Fe Cristiana, la Trinidad, en ella se encuentra el Espíritu Santo, Dios Padre y Jesucristo. El lienzo representa en el centro de la composición el cuerpo muerto de Jesucristo con el cual el Greco busca el espacio pictórico realizando una composición simétrica gracias a la distribución de personajes. El cuerpo de Cristo representa un canon de proporciones alargado algo propio de la estética manierista, aunque el Greco se considera un pintor personal. Sujetando el cuerpo de Jesucristo se encuentra Dios Padre con atributos de alto seglar como la mitra.

situados a los laterales y creando una composicion saturada de personajes en reducicos espacios se encuentran grupos de ángeles alados y cerrando la composición sobre Dios Padre una paloma que representa el Espíritu Santo rodeado de una aureola dorada. Los colores son los característicos de el Greco, tonos verdosos ácidos en los ropajes y la nube que sustenta la composición, azules, rojos y dorados, por influencia de la pintura veneciana de Tiziano en la luz, lus que es proyectada desde un punto exterior irreal que se centra en aquellos lugares que el Greco cree necesarios como en los ropajes para dar calidades en estos y crear volúmenes .

El Greco realizó también a parte de este, nueve lienzos más para en convento de Santo Domingo de Silos de Toledo y obras como el Expolio situadas en el museo del Prado, El Caballero de la mano en el pecho, en el Museo del Prado o el Martirio de San Mauricio situado en San Lorenzo del Escorial.

San Sebastián, Alonso Brerruguete.

San Sebastián es una obra escultórica realizada por Alonso Berruguete en el S.XVI, en el período del Renacimiento español que se encuentra en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. La imágen esta realizada en madera trabajada mediante la técnica de la talla. Representa a San Sebastián, santo martirizado con flechas atado a un tronco de almendro según la tradición cristiana.

La imagen representa un canon de proporción algo alargado, y tiene una postura muy teatralizada dando sensación de inestabilidad, situando en ella la curva serpentinata. La imágen está estofada y esgrafiada con pan de oro y bog rojo como vemos en la frente,dando brillos dorados en los lugares que Berruguete desea y tonos rojizos simulando sangre aunque no es llamativa. El brazo derecho esta situado sobre la cabeza, clavado en el tronco y el brazo izquierdo queda también bajo el derecho en la parte de la muñeca unido al tronco para su martirio. El gesto de san Sebastián expresa sentimiento pero la imágen no representa signos de l martirio como sería la sangre o el sufrimiento excesivo en el rostro y partes afectadas del cuerpo, recurso que si veremos en las imágenes barrocas.

El torso queda curvado queda cubierto en sus partes púdicas por un paño de pureza trabajado al trépano. las piernas quedan curvadas en contraposición a los brazos y la curva de los hombros y cadera produciendo un movimiento irreal y excesivo, apoyando la pierna izquiera en el tronco curvandola hacia la derecha dejando caer la pierna derecha hacia el suelo.

Alonso Berruguete realiza retablos como el de la Mejorada de Olmedo y el de San Benito de Valladolid, además de otras obras de imaginería como el Sacrificio de Isaac.

Palacio de Carlos V de Granada.

El Palacio de Carlos V de España y I de el Sacro Imperio Germánico está situado en la Alhambra de Granada, tras el Palacio nazarí de Comares, comenzando a construirse en el año 1527, en el período del Renacimiento español que estaba basado en el plateresco y no en el manierismo como este edificio, algo que lo hizo singular en el mundo.

El Palacio fue criticado fuertemente por haber derribado para su construcción algunos pabellones de la arquitectura árabe, pero bien en el contexto de la época era habitual la destrucción de los restos de la cultura conquistada, Carlos V quiso contruir en la Alhambra manteniendola y cuidándola para que esta sirviera de residencia suya o incluso para trasladar la Corte hasta aquí admirando el conjunto arquitectónico desde dentro. El edificio, diseñado por Pedro Machuca está influenciado por el conjunto mandado construir a Bramante por los Reyes Católicos, el cual no pudo ser completado y del que es visible el Templete de San Pietro in Montorio en Roma.

Machuca realiza el edificio dividido en dos platas claramente diferenciadas. La primera planta es de órden toscano en la que se encuentran dos principales puntos de acceso al interior, una puerta de estilo toscano propiamente dicho y otra jónica, ambas representando la masculinidad o la feminidad para el punto de acceso del rey o la reina. El primer piso exteriomente esta construido en bloque de piedra almohadillada y picada que recuerda al Palacio Pitti de florencia construido por Bartolomeo Ammannati, y con un banco que recuerda al Palacio florentino de Rucellai construido por León Batista Alberti.

El palacio de Carlos V mantiene las pequeñas ventanas de los palacios italianos y vanos circulares en la parte superior del primer piso. Diferenciando la primera planta de la segunda se localiza un entablamento típicamente clásico como vemos en lás fachadas con frontones, podiums y tondos, decorando el entablamento con triglifos y metopas. El segundo piso mantiene la fachada de la primera planta con vanos adintelados y frontodes con tondos circulares y columnas adosadas sobre poduium. El palacio mantiene la misma estructura en todo su perímetro con bloque de piedra colocado a soga y tizón del que sobresalen vanos adintelados con frontones clásicos, y sobre estos, vanos circulares avocinados.

Finalmente el edificio está coronado por una cornisa clásica. Interiormente el edificio es de planta circular y también muestra dos pisos. El primer piso y el segundo estan sustentados por culúmnas toscanas en el primero y jónicas en el segundo, realizadas en granito.

Pedro Machuca realizó su etapa de aprendizaje en Italia donde se dice que participó en la escuela de Miguel Ángel, estudió los Tratados de Vitruvio y del Quattrocento y fue heredero estilisticamente hablando de Giulio Romano y Rafael.

La Gioconda, Leonardo Da Vinci.

La Gioconda (1503-1506) S.XVI, Cinquecento italiano es el cuadro más famoso de la Historia del Arte, es un pequeño lienzo pintado al óleo por Leonardo da Vinci. El cuadro se encuentra en el Museo del Louvre de París. Es un retrato de una madona, que se cree que era la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, un comerciante italiano.

aunque hay quien dice que es un autorretrato de Leonardo.

La obra es el magnificat de la pintura Mundial, siendo visitado por millones de personas. La Giconda se encuentra sedente, con los brazos sobre el vientre, y dicho esto se comenta que pudiera estar embarazada en el momento del retrato. Las manos se encuentran entrecruzadas, su torso es ancho y su cara, de tonalidades claras y carnosas muestran una ambigua expresión.

La sonrisa a sido el centro de la mirada mundial del lienzo. Sus ojos carecen de pestañas, la mirada la desvía hacia la izquierda y las cejas no están delimitadas, utiliza el sfumatto en el rostro, poniendole una veladura de aire que no delimita los contornos. El pelo se encuentra semi recogido y es rizado, además tiene un velo en la cabeza. Tras la Gioconda el paisaje que se deja ver es propulsor de el espacio pictórico ya que Leonardo lo situa en un punto de vista muy alto creando mayor espacio en el lienzo.

El paisaje esta compuesto por una llanura pantanosa con un pequeño rio y un puente, obra de ingeniería muy admirada por Leonardo y finalmente por un paisaje montañoso que se piensa que puede ser Los Alpes ya que el autor los divisó en su viaje a Milán

.La técnica utilizada para la creación del paisaje y la deformación sin delimitar los contornos y degradar el espacio es la perspectiva aérea de la cual Leonardo Da Vinci será propulsor. Leonardo también realizará trabajos en el mundo de la mecánica, matemáticas, arquitectura, ingeniería y las ciencias.

Entre sus obras más iportantes destacan La Virgen de las Rocas y la Última Cena.

El Nacimiento de Venus de Botticelli.

El Nacimiento de Venus es la obra clave de Sandro Botticelli. La obra fue terminada en 1484, del S.XV perteneciente al Quattrocento italiano. Actualmente se encuentra en la Galeria de los Uffizi, en Florencia ya que fueron los promotores de la obra . La técnica utilizada por Sandro es el temple sobre tabla, realizada en grandes dimensiones. El tema iconográfico de la obra es un tema mitológico, el Nacimiento de Venus. Venus, según la mitología romana nació de los testículos de Urano.

Venus, Diosa del Amor viene en una venera flotando por el agua hasta una isla traida por los soplos de Dioses alados como Eolo entre una lluvia de flores. Ya en la playa la Primavera espera a Venus con un manto de flores. Boticelli busca el espacio pictórico mediante la composición y la distribución de los personajes. Situa en el eje central a Venus, y a los laterales a los Dioses alados y la Primavera. El puento de vista es alto ya que así el espacio pictórico es superior. Venus tiene una anatomía suave y delicada, piel blanca y su cuerpo esta desplazado lateralmente con un ligero contraposto.

La Diosa es púdica puesto que tapa sus órganos sexuales con los brazos, ya que el desnudo especialmente el femenino en esta época estaba mal visto por la Iglesia. Los Dioses muestran una agitación en sus ropajes puesto que estan volando estan muy trabajados creando volúmenes. La Primavera espera la llegada de Venus con un movimiento en potencia extendiendo sus brazos para taparla. Los ropajes de la Primavera estan muy cuidados y tiene entre sus brazos el manto que tapará a Venus, manto lleno de flores que representa a la familia de mecenas Uffizi.

La luz utilizada por Botticelli esta proyectada desde un punto de vista exterior que la utiliza para quellas zonas en las que desea realizar sensacion de claroscuros para realizar profundidad con lo que crea espacio pictórico y las calidades de los ropajes. El Nacimiento de Venus es una obra trabajada mediante el dibujo ya que realiza minuciosos detalles como en los ropajes, las flores o la venera que porta a la Diosa Venus.

Sandro Botticelli también realiza otras obras como La Primavera, también en la Galería de los Uffizi y la Historia de Nostalglio degli Onesti, situado en el Museo del Prado de Madrid

Miguel Ángel, Moisés. Escultura del Cinquecento.

El Moisés de Miguel Ángel pertenece al año 1515, S.XVI perteneciente al Cinquecento italiano. El Moisés formaría parte de un complejo escultórico funerario mandado realidar por el Papa Julio II a Miguel Ángel para la parte central del crucero de San Pedro del Vaticano.

Tras la muerte del Papa, su familia decide que el complejo se redujera a menos de la mitad de las esculturas de las cuales nos quedan entre otras esta del Moisés y los Ladrones. Finalmente el altar funerario se realizó en la Iglesia menor de San Pietro in Vincoli siendo este complejo funerario muy diferente al ideado por Miguel Ángel. El Moisés es una escultura realizada en mármol de Carrara. La escultura representa al líder del pueblo hebreo, que tras bajar del monte Sinaí con las Tablas de la Ley entregadas por Dios, se encuentra a su pueblo adorando a ídolos de oro, de ahí el gesto de enfado que muestra la escultura con el ceño fruncido.

La escultura se representa sedente, con la cabeza girada hacia la izquierda, en ella pelo rizado trabajado por la técnica del trépano para dar contraste de luces y producir claroscuros que diesen volumen, en la cabeza hay dos cuernos que provienen de un error de traducción del Antiguo Testamento. Moisés tiene una gran barba polífida que se toca con la mano derecha, del brazo que sustenta entre el torso y estre las Tablas. El brazo izuierdo está reposado en la parte superior de sus piernas.

La pierna izquierda se muestra atrasada representando un movimiento en potencia puesto que muestra intenciones de levantarse bruscamente, la derecha muestra la anatomía ya conocida de Miguel Ángel, muy fuerte, bajo los pliegues de los ropajes tallados de manera que muestran voluminosidad y movimiento, los que recaen hasta el suelo.

En definitiva la escultura es una obra de máximo realismo algo característico de gran parte de las esculturas de Miguel Ángel como el David o la Piedad del Vaticano o los frecos de la Capilla Sixtina.